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À voir : Papicha de Mounia Meddour

Un film dont on sort bouleversé parce qu’il touche à la situation des femmes, à l’oppression qu’elles subissent encore et toujours. L’histoire de Nedjma, cette jeune étudiante qui, dans l’Algérie des années 90, rêve de développer son talent de styliste et d’organiser un défilé à la Cité U tandis que les islamistes gangrènent la société, assassinant sa sœur pour taire sa liberté de parole. Cette histoire, elle se retrouve encore aujourd’hui à la une quand une Havrin Khalaf est massacrée par les séides de la Turquie au nord de la Syrie, quand une Razan Zaitouneh a disparu depuis plus de six ans sans qu’on sache rien d’elle jusqu'à maintenant. Et combien d’autres ailleurs qui meurent obscurément parce que des hommes – j’ai en vie d’écrire : les hommes ! - ne savent pas remettre en cause leur machisme et leur virilité, parce que les femmes restent le bouc émissaire de toutes leurs frustrations et l’objet des sexualités mal maîtrisées ?

Papicha se termine par une note d’espoir, celle de la vie à venir, celle d’un enfant conçu avec amour, celle de la solidarité généreuse. Le film pose la question : peut-on encore croire à demain ?

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• Allociné | Papicha

À voir : Camille de Boris Lojkine

Camille, c’est Camille Lepage, cette jeune photographe assassinée en Centrafrique en 2014 à l’âge de 26 ans. Boris Lojkine réalise un film qui choisit de montrer l’engagement de Camille au plus près de l’action. À voir Nina Meurisse qui l’interprète, tournoyer, l’appareil à l’œil, au milieu de la furie humaine et des flammes de la guerre, on pense à la phrase de Robert Capa : « Si vos photos ne sont pas assez bonnes, c’est que vous n’êtes pas assez près. » Elle est allée au plus près, elle en est morte quand il lui restait tant à dire de l’humanité qui se dégageait de ses photos, de la vie qu’elles respiraient même quand elles montraient la souffrance et la mort. Inconscience ? Certes non ! Une foi en son métier, en la nécessité de son message, dans le devoir d’informer qui a pu la conduire à un excès de confiance.

Son talent était déjà reconnu, ses amis et sa famille au premier plan ne l’ont jamais oubliée. Ce film est plus qu’un portrait. Il rappelle l’importance de l’image dans un univers médiatique où le travail de fond des reporters est exploité et déconsidéré au profit de scoops volatiles et du rapport financier exclusif. Il informe sur les tourments d’une Afrique qui reste encore aujourd’hui le continent de tous les possibles, des pires comme des meilleurs, de sociétés soumises à une violence entretenue par la cupidité des politiques et des exploiteurs postcoloniaux, sur l’hypocrisie du discours des puissances étrangères.

On pleure et on enrage de la mort de Camille Lepage comme de celle de ses confrères assassinés sordidement. Ce film a le mérite de réveiller nos consciences lorsqu’elles s’endorment dans les bons sentiments et de nous conduire à relayer la parole nécessaire de la résistance.

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• Allociné | Camille

• Mediapart | So long, Camille Lepage...

• La Martinière | Camille Lepage, Pure colère

À visiter : Hans Hartung, la fabrique du geste

Parcourir cette rétrospective au musée d’art moderne de Paris, c’est plonger dans une peinture en mouvement. Chaque œuvre, des premières aquarelles où se cherchent les taches de couleur jusqu’aux grandes toiles de la fin dont l’abstraction confine à une envolée dans l’espace, demande à sortir de son cadre, à faire s’ouvrir les frontières de la contingence matérielle de la toile, du papier.

C’est une œuvre foisonnante, multipliant les recherches et les expérimentations, inventant son outillage comme son expression, conjuguant l’équilibre et la fluidité du geste, où le hasard du trait s’allie aux espaces solides de couleurs bienveillantes. Leur froideur n’est qu’apparente, il y a dans ces jaunes, dans ces bleus, dans ces bruns, des profondeurs implicites.

Il n’y a pas dans les œuvres d’Hartung, la totalité inscrite dans chaque toile de Zao Wou Ki, la construction solide de Soulages, mais leurs univers se croisent, dialoguent.

Par sa gestuelle libérée, le lyrisme graphique d’Hartung a su trouver un élan que la précision de son art n’a jamais freiné. On verra là l’itinéraire personnel d’un homme s’ouvrir à une expression qui condense les bouleversements jusqu’à un message universel.

Renseignements pratiques

• MAM Paris | Hans Hartung, La fabrique du geste

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• Hans Hartung | Page Wikipédia

• La fondation Hartung Bergman

À voir : Au nom de la terre d’Édouard Bergeon

Voilà un film que devraient voir tous les ignares qui s’en prennent aux agriculteurs, les accusant de mille maux dont ils ne sont pas responsables. Savent-ils seulement comment l’industrie et les lobbys agroalimentaires ont su, depuis des décennies, réduire à quelques entreprises de plus en plus grandes, un vaste réseau d’exploitations qui permettaient à une population de vivre et de travailler, à des professionnels de se respecter ? Quant aux petits masques de la plume critique, ils ont beau jeu de faire la fine bouche avec élitisme sur ce film au nom d’une forme qui ne serait pas assez originale. Certes Édouard Bergeon fait un récit qui tient parfois du documentaire et qui n’est pas sans rappeler Les fils de la terre qu’il réalisa précédemment.

Pour autant c’est au nom de la terre qu’il faut voir cet opus bien nommé, au nom de cette terre que les jeunes générations, y compris celle de nombreux jeunes agriculteurs, nous demandent avec force de défendre. Puisse le sujet proposé par Bergeon conduire à réfléchir sur l’avenir de notre planète et à retrouver de la considération pour ceux qui, de tout temps, ont permis à l’humanité de se nourrir au lieu de les laisser se suicider au quotidien.

Guillaume Canet est un paysan convaincant et émouvant, on retrouve avec plaisir Veerle Baetens qui illuminait le film Alabama Monroe et le jeune Anthony Bajon révèle encore mieux un talent déjà prometteur.

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À voir : Bacurau de Kleber Mendonça Filho et Juliano Dornelles

Ce pourrait être « d’ici quelques années » ainsi qu’il est indiqué en préambule. L’actualité récente du Brésil nous dit que l’histoire de ce film peut être d’aujourd’hui. Un village rassemblé à l’occasion du décès d’une ancêtre âgée de 94 ans. Bien vite des phénomènes bizarres et inquiétants, un politique corrompu qui cherche à se faire réélire à n’importe quel prix, des mercenaires cyniques et méprisants, un bandit à la Cartouche et ses acolytes. Destins et situations s’entrecroisent jusqu’au déclenchement de la violence pour résister aux agressions physiques et politiques.

Il y a quelque chose d’une fable baroque, d’un western contemporain dans ce film. Cet univers pauvre du Nordeste brésilien que les puissants voudraient voir disparaître pour assouvir leur soif de possession, c’est celui de gens pauvres et modestes qui résistent. Le village gaulois d’Astérix combat l’envahissement romain par l’humour et le coup de poing. Dans Bacurau, c’est la mort qui dicte sa loi, implacable et vengeresse.

Si le film se disperse parfois, il n’en est pas moins une vision puissante de la liberté bafouée quand le politique et l’argent ne font qu’un et une ode à une nature ramenée à sa seule exploitation sauvage. Il nous dit pourquoi ce qui se passe dans une région précise du monde peut concerner l’ensemble de ce dernier, n’en déplaise aux vautours de l’idéologie, de la finance et de la religion.

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• Wikipédia | Le cinéma brésilien

 

À écouter : Ahmad Jamal | Ballades et Abdullah Ibrahim | Dream Time

Il est commun d’entendre dire que la musique conserve. Plus encore, à l’écoute des derniers opus d’Ahmad Jamal, 89 ans, et d’Abdullah Ibrahim, bientôt 85 ans, je suis tenté d’écrire que la musique se bonifie avec l’âge. Quel bonheur que d’entendre en solo ces deux artistes délivrer de leur piano des œuvres qui, sans rien renier de ce qui fut depuis toujours leurs combats, atteignent à une sérénité apaisante !

Avec Ballades, Ahmad Jamal nous emmène dans un univers de fines ciselures pianistiques et de méditation. On imagine des chemins, des lieux perdus, une solitude pensive, on se prend à rêver à des envols. De même que pour une promenade littéraire ou picturale, ce n’est pas à une progression en droite ligne que nous invite l’artiste et il y a dans ce qu’il appelle lui-même de la musique classique contemporaine, des échos de certaines œuvres d’un Debussy. Certes le jazz reste présent, la rythmique des pièces s’y réfère, mais le jeu de Jamal va aujourd’hui bien au-delà de cette seule voie. On sait à l’écouter qu’il est entré dans une période d’intense paix.

Abdullah Ibrahim nous offre avec Dream Time une suite de mélodies chargées de profonde humanité. Enregistrées en Bavière, où il vit désormais, elles forment le portrait d’un homme qui n’a cessé durant son existence de mettre sa musique en accord avec le combat contre l’Apartheid dans son Afrique du Sud natale. Avec cet opus, il écrit les pages d’une quête spirituelle dont on voudrait qu’elle soit plus largement partagée.

Encore une fois, ces œuvres donnent à vivre, à méditer sur les brutalités du monde, sur la nécessité aller à l’avant de l’âge pour préserver nos existences et celles de ceux qui nous survivront.

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• Page Wikipédia d’Ahmad Jamal

• Le site d’Ahmad Jamal (en anglais)

• Page Wikipédia d’Abdullah Ibrahim

• Le site d’Abdullah Ibrahim (en anglais)

• France-Musique | Abdullah Ibrahim

À lire : Salina de Laurent Gaudé

Laurent Gaudé s’inscrit là dans la veine épique de La mort du roi Tsongor quand l’épopée est traversée de sang, de vengeance, d’un fantastique lié aux éléments, quand la mort est la bouche close d’un destin après l’épuisement du récit. Il sait puiser à des cultures diverses pour entremêler les fils d’une geste qui devient intemporelle à mesure que l’existence de Salina se durcit sous les coups du mépris et du rejet.

C’est la femme de sel née du fleuve, de la roche et du désert. Pétrie de violence et de sang, durcie du combat et de l’exil. C’est une femme de la mort avant la mort, vouée au lamento de la douleur. Elle n’est plus seulement une femme au destin tragique, une femme sans sourire, mais elle devient l’incarnation de la tragédie, de la sienne et celle de tous les parias que le pouvoir et l’opinion publique accablent pour se donner une illusoire contenance. Les étapes de sa destinée, le tragique de son parcours sont autant de portes d’entrée dans le repos lorsque le récit qu’en fait son fils lui ouvre les portes de la légende et la réconcilie avec le monde.

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• Actes Sud

À lire : Le pays d’en haut de Marie-Hélène Lafon

Marie-Hélène Lafon pourrait n’être qu’une romancière régionaliste tant elle revient de façon récurrente à son Cantal natal. Mais elle est faite de sa géographie, de ses pierres, de ses monts et de ses vallées, de ses habitants dont elle est si proche. « Ces lieux façonnent des gens un peu verticaux, austères et tenaces… C’est un fond dont je ne me suis jamais départie, et le travail d’écriture, depuis plus de vingt ans, m’y confronte constamment […] ; ce nord du Cantal, ce pays perdu à mille mètres d’altitude, est fondateur ; et le sauvage n’est jamais loin ; il palpite sous l’écorce des choses. » dit-elle. Elle sait faire de tout cela le miel d’une écriture qui s’élève à l’universel de l’homme. À l’instar d’un Giono, d’une Marcelle Delpastre, plus près de nous d’un Pierre Michon, d’un Pierre Bergounioux, elle inscrit sa langue dans le cercle magique d’un pays où sa créativité est en phase avec son imagination. On sait que ses « derniers Indiens », que son « Joseph » sont les tenants d’un monde en voie de disparition, d’une société d’avant, mais les lettres de noblesse qu’elle leur donne, permettent au moins d’éviter leur effondrement définitif, au mieux de garder espoir.

Ce « Pays d’en haut » qu’elle raconte à Fabrice Lardreau est la source fondatrice de son récit d’écrivain. Marie-Hélène Lafon est de ces auteurs qui aident à vivre, qui donnent à vivre. Elle dit dans un entretien accordé à Encres Vives : « C’est merveilleux. L’écriture ne se joue pas en termes d’évacuation mais de surcroît d’énergie. Une lectrice qui avait lu deux de mes livres était venue à une rencontre, n’avait rien dit, seulement à la fin : je suis venue voir si vous étiez aussi sinistre que vos livres. Il y a quelque chose de la noirceur du monde qui échappe dans l’écriture. »

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Livre : Borgo Vecchio de Giosuè Calaciura

Ce pourrait n’être que l’histoire d’une amitié adolescente entre les personnages de Mimmo et Cristofaro, jeunes garçons partageant les aventures cocasses d’une jeunesse citadine. C’est beaucoup plus que cela quand leur histoire est traversée de douleurs, de violence, quand le vil et le beau se croisent pour dire une société métaphorique du monde, quand le quartier de Borgo Vecchio devient un univers à part entière. Il est fait référence à Garcia Marquez pour ce roman et l’on n’est pas loin, en effet, de Macondo. Société picaresque où l’archétypal ne suffit plus à empêcher le bouillonnement du sang et de la chair, où la quête de l’amour dit la rédemption de la prostituée, la liberté conquise par la fuite. Où la mort de Totò le voleur conduit au dénouement des tensions quand le vent de sa course a si longtemps signifié le jeu des désordres secrets de ce microcosme.

C’est une histoire et c’est une langue, langue du conte chargée de magie, de raccourcis cinglants et d’échappées intemporelles. Un roman qui s’ajoute à la part que nous offrent d’autres plumes italiennes, une littérature prégnante, chargée d’une humanité dense mêlant le quotidien et la quasi-épopée.

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• Les éditions Noir et Blanc

  PPierre Kobel      

À voir : Les hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman et Eléa Gobbé-Mévellec, 2019

De titre en titre, Yasmina Khadra revient au même refrain qui met en exergue les conflits entre l’orient et l’occident, les luttes de pouvoir, sur la même douleur qui tétanise les hommes là où la dictature des esprits s’ajoute à l’oppression des corps et à la violence quotidienne. Les hirondelles de Kaboul dénoncent le régime des talibans et des mollahs en Afghanistan, la main mise entière sur la société des fanatiques religieux, la négation de la femme ravalée au rang d’objet. Elles disent aussi le miracle du rachat, de la rédemption, la force du sacrifice et de la résistance contre l’étouffoir, le mépris et l’hypocrisie.

Zabou Breitman a choisi la forme de l’animation pour l’adaptation de ce récit. La fluidité des dessins d’Éléa Gobbé-Mévellec est telle qu’on en oublie le travail qu’ils nécessitent. Il y a dans les regards, dans les mouvements, dans les paroles des personnages, une vérité des émotions que ces dessins subliment et qui donnent à ce « conte » son authenticité.

Quand la littérature et le cinéma touchent à cela, on ne peut qu’applaudir puisqu’ils ajoutent à ce que l’art peut donner à vivre. Liens

• Wikipédia : Yasmina Khadra

• Wikipédia : Zabou Breitman

PPierre Kobel